La Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes abrió sus puertas en París en abril de 1925 y se extendió hasta octubre de ese año. Ocupó las orillas del Sena entre el Pont Alexandre III y la Esplanade des Invalides, con pabellones construidos por las naciones participantes y los sectores industriales a lo largo de una gran área del centro de París. La exposición atrajo a millones de visitantes y se convirtió en la muestra definitoria de la dirección de las artes decorativas que más tarde recibiría su nombre: Art Deco, una contracción de Arts Décoratifs.
El nombre en sí mismo llegó más tarde. Aquellos que trabajaban dentro del movimiento en 1925 no habrían utilizado el término Art Deco; esa etiqueta fue una acuñación retrospectiva que ganó popularidad general a partir de la década de 1960. En 1925, lo que se exhibía se describía como el estilo moderno, el estilo contemporáneo, o simplemente como las nuevas artes decorativas. La palabra Deco provino, finalmente, de Décoratifs.
Lo que representó la exposición
La Exposición de 1925 fue una declaración sobre la dirección de las artes decorativas francesas después de la Primera Guerra Mundial. Los organizadores especificaron que solo se admitirían obras de carácter moderno: sin pastiches históricos, sin estilos revival. Lo geométrico, lo estilizado, lo audaz y plano fueron favorecidos sobre las asociaciones curvilíneas y ornamentales del Art Nouveau. En la práctica, la línea no siempre se trazó claramente, pero la intención era posicionar a Francia como líder mundial en diseño contemporáneo.
Cartier participó junto a otras firmas líderes de joyería y lujo; Van Cleef and Arpels ganó el Gran Premio con un brazalete de rosas de rubí y diamantes. Las piezas que la firma mostró reflejaban la dirección que Louis Cartier, Charles Jacqueau y Jeanne Toussaint habían estado desarrollando desde principios de la década de 1920: estructuras geométricas sólidas, combinaciones de colores de alto contraste usando blanco y negro con acentos de coral o jade, y la audaz estética policromada informada por fuentes visuales egipcias, persas e indias.
La conexión india
La Exposición de 1925 atrajo a prominentes mecenas indios a París en un momento en que las relaciones de Cartier con los marajás se estaban volviendo cada vez más productivas. El Maharaja de Kapurthala estuvo presente; otros visitantes indios llegaron para la Exposición y aprovecharon la oportunidad para visitar la rue de la Paix. La proximidad de importantes clientes indios y las capacidades del taller de Cartier durante este período es parte de lo que produjo las extraordinarias comisiones indo-europeas de finales de la década de 1920.
Legado
La Exposición de 1925 es un punto fijo en la cronología del diseño del siglo XX. Los objetos producidos para y alrededor de ella, incluidas las piezas de Cartier de este período, representan la expresión más completa de los principios estéticos que se habían estado desarrollando desde principios de la década de 1910. Las décadas que siguieron se movieron en diferentes direcciones: la década de 1930 vio un cambio hacia formas más monumentales, y la Segunda Guerra Mundial interrumpió la producción de alta joyería en toda Europa. El momento de 1925 fue breve, intenso y bien documentado, lo cual es parte de por qué ha permanecido tan central para entender la historia de Cartier.
Fuentes
- Francesca Cartier Brickell, The Cartiers (Ballantine Books, 2019), cap. 5 (“Stones Paris: Early 1920s”) y cap. 6 (“Cartier New York: Mid-1920s”)
- Wikipedia: Exposición de París de Artes Decorativas, 1925
