발레 뤼스는 흥행사 세르게이 디아길레프에 의해 창단되었으며 1909년 파리에서 첫 공연을 가졌습니다. 이것은 전통적인 발레단이 아니었습니다. 디아길레프는 당대 가장 뛰어난 창의적 인재들을 모아 전례 없는 방식으로 연극적 스펙터클에 적용했습니다. 이고르 스트라빈스키가 음악을 작곡했으며, 레온 박스트와 이후 코코 샤넬, 파블로 피카소, 앙리 마티스, 조르주 브라크가 의상과 무대 세트를 디자인했습니다. 무용수로는 바슬라프 니진스키와 안나 파블로바가 있었습니다. 이들의 작품은 유럽 무대에서 볼 수 있었던 어떤 것과도 달랐습니다.
발레 뤼스의 시각 언어는 서유럽 장식 전통 외부의 자료에서 크게 영감을 받았습니다. 박스트의 셰헤라자데 (1910) 및 타마르 (1912)와 같은 작품 의상에는 보석 같은 색상, 풍부한 패턴, 그리고 당시 프랑스 패션의 옅은 자연주의나 기하학적 절제와는 전혀 관련 없는 오리엔탈리스트적인 요소가 사용되었습니다. 색상은 강렬했습니다. 짙은 녹색, 불타는 오렌지색, 격렬한 파란색, 산성 같은 노란색이 사용되었습니다. 형태는 역사적으로 상세하기보다는 양식화되고 평면적이었습니다.
파리 장식 예술에 미친 영향
발레 뤼스는 아르누보 운동이 쇠퇴하던 시점에 파리에 도착했습니다. 아르누보의 곡선 형태와 자연주의적 모티프는 19세기 후반 장식 예술을 지배했지만, 1909년경에는 이미 고갈되어 가는 것처럼 보였습니다. 디아길레프의 무용단이 제시한 것은 완전히 다른 시각적 어휘였습니다. 대담하고 나름의 방식으로 기하학적이며, 색채가 풍부하고, 오리엔탈리즘 전통이 유행시켰지만 아무도 그렇게 강렬하게 사용하지 않았던 동양적 자료에서 영감을 받았습니다.
패션과 장식 예술에 미친 영향은 빠르고 광범위했습니다. 오뜨 꾸뛰르 디자이너들은 이 색상들을 채택했습니다. 보석상들은 자신들의 색상 팔레트를 재고했습니다. 가구, 직물, 실내 장식 모두 발레 뤼스의 첫 파리 시즌으로부터 몇 년 이내에 그 영향을 보여주었습니다.
까르띠에와의 연결고리
까르띠에의 디자인 방향은 1909년 이후 눈에 띄게 변화했습니다. 플래티넘 위에 다이아몬드 레이스워크가 특징인 갈란드 스타일의 화이트 온 화이트 팔레트는 보다 대담한 색상 조합으로 대체되었습니다. 산호와 라피스 라줄리, 다이아몬드, 옥과 오닉스, 에메랄드의 조합, 그리고 아르데코의 고대비 흑백에 갑작스러운 색상 폭발이 결합된 형태였습니다. 1909년부터 루이 까르띠에와 가장 밀접하게 작업했던 디자이너 샤를 자코는 발레 뤼스의 시각 언어에 깊이 관여했습니다.
그 영향은 직접적인 모방이 아니라 흡수였습니다. 발레 뤼스의 미학을 탄생시킨 강렬한 색채, 오리엔탈리스트적 이미지, 빅토리아-에드워드 시대의 절제 거부라는 전반적인 분위기가 파리 디자인의 모든 분야에 동시에 영향을 미치고 있었습니다. 까르띠에가 색채, 이집트 및 페르시아 모티프, 그리고 회사의 1920년대 제품을 정의하는 다색 미학으로 나아간 것은 이러한 광범위한 변화와 불가분의 관계에 있습니다.
지속성
발레 뤼스는 1929년 디아길레프가 사망할 때까지 공연을 계속했습니다. 서양 디자인에 미친 그 영향은 활동 기간을 훨씬 넘어섰습니다. 풍부한 색채, 양식화된 형태, 문화적 상호 참조라는 발레 뤼스가 확립한 어휘는 1930년대 내내 장식 예술에서 유효했으며, 아직도 그 흔적이 연구되고 있는 방식으로 아르데코 시대의 시각적 가정을 형성했습니다.
출처
- 프란체스카 까르띠에 브리켈, 더 까르띠에스 (Ballantine Books, 2019), 2장 (“루이, 1898–1919”) 및 5장 (“스톤스 파리: 1920년대 초반”)
- 한스 나델호퍼, 까르띠에: 탁월한 주얼러 (Thames and Hudson, 1984; 개정판 2007), 81, 131페이지 외 인용.
- 위키백과: 발레 뤼스
