아르누보는 대략 1890년대 중반부터 제1차 세계대전까지 유럽 전역에서 지배적인 장식 양식이었습니다. 주얼리에서는 잠자리 날개, 붓꽃 줄기, 에나멜과 금으로 표현된 여성의 머리카락, 뱀과 딱정벌레의 구부러진 몸 등 자연에서 영감을 받은 흐르는 듯한 비대칭 형태로 정의되었습니다. 르네 랄리크(René Lalique)를 비롯한 선도적인 장인들은 에나멜, 조각된 뿔, 그리고 이전에는 주얼리의 범주를 벗어난 것으로 여겨졌던 파격적인 재료를 사용한 특별한 기술적 실험의 도구로 활용했습니다.
까르띠에의 차별점
까르띠에는 주로 아르누보 하우스가 아니며, 이러한 차별점은 우연이 아닙니다. 1900년대 초반 루이 까르띠에가 하우스의 창조적 통제권을 점차 확대하면서, 그의 본능은 고전 건축, 18세기 프랑스 장식 예술에서 영감을 받은 네오 루이 16세 미학, 그리고 결국에는 가랜드 스타일과 아르데코가 된 구조적 기하학으로 향했습니다. 그가 디자이너들과 함께 개발한 어휘에서는 유기적인 곡선과 자연 기반 모티프가 대부분 부재했습니다.
까르띠에와 아르누보
랄리크와 아르누보의 대조는 시사하는 바가 큽니다. 둘 다 같은 시기에 파리의 부유한 고객들을 위해 고품질 주얼리를 생산했지만, 거의 정반대의 출발점에서 시작했습니다. 아르누보는 자연을 주제이자 구조적 원리로 받아들였습니다. 까르띠에의 가랜드 스타일은 자연(꽃, 화환, 리본, 활)을 주로 건축적이고 대칭적인 틀 내에서 장식적인 모티프로 사용했습니다. 이러한 차이는 재료에서 분명하게 드러납니다. 아르누보는 에나멜, 조각된 유기 재료, 옐로 골드를 자주 사용했습니다. 까르띠에의 가랜드 스타일은 거의 전적으로 플래티넘과 화이트 다이아몬드를 사용하여, 살아있는 유기체보다는 섬세한 레이스나 자수 직물을 의도적으로 닮은 효과를 냈습니다.
왜 이러한 구분이 중요한가
1900년대부터 1910년대까지의 까르띠에 작품을 연구하는 수집가와 연구자들은 때때로 꽃이나 인물 모티프가 있는 초기 20세기 작품에 아르누보라는 라벨이 느슨하게 적용되는 것을 접합니다. 아르누보와 가랜드 스타일 작품 간의 구분은 미학, 재료, 그리고 출처 면에서 의미가 있습니다. 조각된 뿔, 반투명 에나멜, 흐르는 듯한 비대칭 형태의 작품은 밀그레인 테두리와 로즈 컷 다이아몬드가 있는 화이트 플래티넘 가랜드 작품과는 다른 워크숍 전통에 속합니다. 비록 두 작품 모두 같은 시대에 나왔다고 하더라도 말입니다.
출처
- 프란체스카 까르띠에 브리켈(Francesca Cartier Brickell), 더 까르띠에(The Cartiers) (발렌타인 북스, 2019), 챕터 2 (“루이, 1898–1919”)
- 한스 나델호퍼(Hans Nadelhoffer), 까르띠에: 비범한 보석상(Cartier: Jewelers Extraordinary) (템스 앤 허드슨, 1984; 개정판 2007), 인용 pp. 19, 33 외.
- 위키백과: 아르누보
