アール・ヌーヴォーは、おおよそ1890年代半ばから第一次世界大戦まで、ヨーロッパ全域で支配的な装飾様式でした。ジュエリーにおいては、トンボの羽、アヤメの茎、エナメルとゴールドで表現された女性の髪、蛇やカブトムシの湾曲した体など、自然の源から引き出された流れるような非対称のフォルムによって定義されました。ルネ・ラリックをはじめとする主要な実践者たちは、エナメル、彫刻された角、そしてそれまでジュエリーの範囲外と考えられていた型破りな素材を用いた並外れた技術的実験のための媒体としてこの様式を確立しました。
カルティエの相違点
カルティエは主にアール・ヌーヴォーのメゾンではなく、その相違は偶然ではありません。1900年代初頭にルイ・カルティエがメゾンのクリエイティブな主導権を強めていくにつれて、彼の直感は異なる方向へと向かいました。それは、古典建築、18世紀のフランス装飾芸術を取り入れたネオ・ルイ16世様式、そして最終的にはガーランド・スタイル、さらにはアール・デコへと発展する構造的な幾何学へと向かうものでした。彼がデザイナーたちと共に発展させた語彙には、有機的な曲線や自然を基調としたモチーフはほとんど含まれていませんでした。
カルティエとアール・ヌーヴォー
ラリックとアール・ヌーヴォーとの対比は示唆に富んでいます。両者ともに、同時期にパリの裕福な顧客向けに高品質なジュエリーを制作していましたが、その出発点はほぼ正反対でした。アール・ヌーヴォーは、自然を主題と構造的原理の両方として受け入れました。カルティエのガーランド・スタイルは、自然（花、ガーランド、リボン、弓）を、主に建築的で左右対称なフレームワーク内の装飾モチーフとして使用しました。その違いは素材に表れています。アール・ヌーヴォーはエナメル、彫刻された有機素材、イエローゴールドを頻繁に使用しました。カルティエのガーランド・スタイルは、ほぼプラチナとホワイトダイヤモンドのみを使用し、生きた有機体というよりも、精巧なレースや刺繍された生地に意図的に似た効果を生み出しました。
なぜこの区別が重要なのか
1900年代から1910年代のカルティエ作品を研究するコレクターや研究者たちは、花や具象的なモチーフを持つ20世紀初頭のあらゆる作品に、アール・ヌーヴォーというラベルが漠然と適用されているのを時折目にします。アール・ヌーヴォーとガーランド・スタイルの作品の区別は、美学、素材、および帰属の観点から見て意味のあるものです。たとえ両者が同じ年代に登場したとしても、彫刻された角、半透明のエナメル、流れるような非対称のフォルムを持つ作品は、ミルグレインの縁取りとローズカットダイヤモンドを持つホワイトプラチナのガーランド作品とは異なる工房の伝統に属します。
出典
- フランチェスカ・カルティエ・ブリッケル著、『The Cartiers』（Ballantine Books、2019年）、第2章（「ルイ、1898年–1919年」）
- ハンス・ナデルホッファー著、『Cartier: Jewelers Extraordinary』（Thames and Hudson、1984年、改訂版2007年）、19頁、33頁ほか引用
- Wikipedia: Art Nouveau
